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2020年文旅部戏曲艺术人才培养项目高级研修班-舞美班精品课程节选: 《探索导演利用视觉手段协同创新的思维模式》——李风

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国家人才培养重点项目:2020年文化和旅游部戏曲艺术人才培养项目高级研修班(第五期),由中华人民共和国文化和旅游部主办,文旅部艺术司、中国戏曲学院承办。

2020年高研班舞美班(第五期)的教学方向为舞美设计创作理论、音响设计、影像多媒体设计。

学期:2020年7月至2021年7月

课程设置:围绕着戏曲艺术的创作,分析优秀音响设计、影像多媒体设计在戏曲创作中的优秀案例,结合当今音视频创作理论与体现,探索戏曲舞美传承与创新的学术研究方法。

教学理念:本届高研班舞美班教师团队将紧扣时代发展,将舞美艺术创作最新的理念和技术融入进来,结合当今最前沿的音视频技术和创作方法,展开本次第五期高研班舞美班的序幕。

教学模式:采取线上教学与远程实践相结合方式开展。

授课专家介绍

           


李风


许多年来,专注于场景艺术的创新发展,获得了多项多媒体技术专利,秉承“秀出科技的力量,秀出艺术的魅力”,深耕于多媒体场景领域,在数字化声光电系统、3D与全息影像、LED显示与投影技术、电脑影像特技、数字化舞台机械、互联网直播升级等方面带来一系列创新,有力推动了“音乐可视化、美术数字化”的发展,为多媒体场景艺术“产品作品化,作品产品化”正在积极努力。



主持人蒋思蒙:

李风老师在艺术创作、导演性思维角度等方面有很多的自己思考,探索舞台美术、机械装置、灯光、影像、声音特效、摄像及观演关系变化的高度融合,对视听手段协同创新的思维模式建立初步认知,为观众创造全新的试听体验。下面由李老师授课。

授课主题

《探索导演利用视觉手段协同创新的思维模式》


李风老师:

各位老师同学们,大家好。

首先我们讲一下导演对视听手段协同创新思维模式的探索,就是如何用导演的角度考虑视听手段的协同创新。我学习的是非电量测控,在学校里装音响,从ocr到otr,毕业以后接触了摄像,对视频有了一定了解。在这个过程中,发现了灯光蛮有意思。我是学非电量测控,就把声音和灯光之间的关系,通过对声音节奏的判别,让节奏来控制灯光的变化,使整个灯光变化和音乐之间有了关系。到了08年接触了服务器,去应用、探索服务器到底有什么好玩儿的东西。

回过头来看这些经历正好铺垫了今天这个课题——视听手段的协同创新

     

今天的核心思想是从一些小的案例,仔细去分析、探索。从导演角度思考,我们如何利用掌握的一些技术手段将其呈现出来?今天下午就这个话题展开探索。

   
       

协同创新思维模式的建立

创新是我们创作会上的第一个话题。但单独的某一个领域里创新已经不能完全满足导演的欲望了。开始思考,舞台上的表现手法如何使节目的视觉效果得到强化。在整个创作会上,大家越来越多的关注舞美、灯光、视频。以前创新与灯光无关,现在渐渐的灯光具有了话语权和导演一起构件创新思维模式。

首先我就几个小话题来展开。

1、协同创新思维模式的建立;

2、影像和舞蹈之间怎样结合起来,产生创新的模式;

3、影像和舞台机械的互动关系;

4、特效和影像之间的关系;

5、声效和特效;

6、视频技术和舞台呈现之间的关系;

7、多维度视觉呈现的问题处理。今天我们的话题展开,虽然我们强调了很多的技术手段,但我个人主张适可而止,要用在巧的地方,不能无限制的夸大技术手段的作用,舞台呈现内容和表演才是本质,我们不能视觉暴力,希望大家要注意。

   

01、协同创新思维模式的建立

导演的基本特质

第一要有鉴赏力,这是非常重要的。第二是创新能力,也就是创造力。导演要有创造思维。但在导演诉说天马行空的想法时,技术部门先别阻止,讨论实现问题,导演的思维模式和创新与其他部门再进行讨论研究,可能会实现创新性的想法。如果导演说出的想法,我们马上觉得这个能行,而且非常不用担心技术问题,那大概率是比较平庸,所以创新是要有赌性的。导演需要第三个能力就是执行能力。导演的执行能力是体现在所有创意想法能不能呈现出来的一个重要的基础。导演必须具备这三个能力才是一位优秀的导演。

在这个过程中我们要帮导演去实现他的这些东西。让导演的创造性思维先出来。然后我们再认真琢磨可行性。创新思维是刚需。任何创作会,都要谈创新想法,如果不谈创新想法,创作会就只剩下了执行。同时协同创新是一个蹊径,把听觉视觉各种各样的手段融合起来,就会发现创新的点、途径更多。这就是创新思维模式建立的方法。

   

02、影像和舞蹈之间的创新点

全息的概念

不是用了全息,节目就是成功的。关于全息的概念,我个人理解其实是一种要在相对隐蔽的介质上来呈现想要呈现主体的各个角度信息。舞台上往往观演关系也是相对固定的,我们都从某一个角度看不见介质,让物体呈现,也挺神秘的,所以现在出了透明屏,就是想让介质更隐蔽。当然也有光干涉。

   
   
   

这是一个表演空间,舞台上现在常用的手法是加全息膜,这个膜是45度角,越隐蔽越好。膜的特性是能够反射某一个影像,这个反射称为上反射和下反射。现在这个图上看的是上反射,比较容易隐蔽,可以吊在吊顶上,在视线里面是看不到的。当你看不到这个屏幕,画面里面有个人物就会觉得很神奇。同时要使得反射全息膜前能有表演空间,同时后面也有表演空间。这样就使后面的表演者和整个影像之间产生一些交互。让观众分不清是画中人还是实际的人。

   

后来变成了竖向的膜,投影投在这个面儿上。这些的核心思想、全息的意义在于一定要虚实结合。全是影像和放电影有什么区别?如果没有形成一个虚拟的人物和实际的表演者相结合的时候,其实没有意义。

虚实结合的概念就是比如一个舞者进到表演区,进行一个大跳,会空中定格几个影像,然后这个人物化成蝴蝶飞了,这就是虚实结合的结果。全息的使用是要根据导演和整个剧情的诉求。

我先从一个全息的小例子开始,从一个创作会聊起。

节目形式是颁奖活动;当时的节目定位,是让一个电影导演的评委看不明白;当然直播节目要求,首先要保障安全、流畅问题;节目关键,有点钱,通过创作会议的多次讨论,决定使用全息投影,但是在使用上出现一个问题,钢结构架开场使用结束不能撤走,影响颁奖,领导讲话,后来使用了一个其他呈现方式,这是呈现结果。

   
   
   

这就是最后呈现。这是如何呈现的呢?首先开会提出了一个设计创意,在浩淼的星空下一束光慢慢点亮启动键,第一声之后各种结构出现,延伸到整个屏幕里面。因为是电视短片,用整个物理空间上装置的透视,再加上屏幕透视,一直到最远方,这时候整个舞台呈现出来。然后领导走上宣布开幕。就是这样的设计想法。是怎么呈现的呢?

当全息膜方案不行的时候,我们就想了各种各样的方法。把全息本质的东西仔细拉出来理了理。全息是在一个特别隐蔽的介质上呈现某种影像,我们用了一个手法,首先这些格子形成一个球到一边,只有这个球亮,一个logo在慢慢的转。观众区光一开,这个时候纱幕快速降下来。成像介质是什么呢?就是一个纱幕。

   

当我们发现全息膜不行了,就在尝试到底什么隐蔽,什么成像,什么能让演员和影像之间产生交融。最后我们在深圳著名的国际布料批发市场里选了不同类型的纱,有粗有细,有密有疏,有白有黑。最后的选择了黑色的。黑色的介质上是能够成像的,而且色彩可以还原。我们在纱的后面加了一个人物,拿手电筒来试,最后我们选择了一个最好密度的影像呈现。后面一起光人物也没问题。高大上的全息膜变成了纱,全息膜太贵的情况下,不妨就买纱,注意是黑色的。现场拍摄当然还要注意拍摄,如果不控制好光圈,视频和现场的呈现效果就不同。

   

还有一个值得注意的事情就是我们做了一个三面屏幕结合起来的球形。可以通过每一块屏的变化,使得主视角看到的是圆球。

接下来还有一段视频,给大家演示一下。

   

这是实景下拍摄,再做后期特效处理最后再回到舞台上。

影像和舞者之间的创新点已经越来越多的被各个导演应用。我只想讲一个问题,就是不要刻意去追求利用技术手段达到效果。十几年前还是被动互动,所有的演员通过编排和影像之间交互,现在都是随动,比如给舞者的衣服上锁定点,怎么跳都能识别。这是我讲的第二个问题影像和演员之间的关系。

   

03、舞台机械和影像的关系

舞台机械和影像之间的关系也越来越多的应用。还是从一个创作会讲起,必须从导演的角度做融合创新,这是深圳的访谈节目;节目定位要展现深圳的气质,要有点科技感。;目要求:创新的舞台形式,这个节目的关键问题:没钱。

今天就讲当你的节目没有多少钱的时候,其实也存在着创新的模式建立和思维逻辑。当时我们就提出来,不管钱多钱少,也能创新。这个节目的特质:就是出嘉宾频繁。还有科技手段的体现,这是我们整个节目在创新思维过程中要聊的几个话题。

我们可以看一看场地情况,就是一个很小的空间。

   

一个碗形的结构,表演空间不大。在这样一个空间下到底怎么创新呢?首先先建模型。为了使得大家的视线更聚焦,我们把访谈区域稍微弄小一点,放到圆形舞台上作为访谈的区域。这有个叫@深圳的互联网符号。访谈节目要承载的很多内容需要在屏幕上呈现,弧形的屏幕结构特征使得它的稳定性比直屏更高,可以相对稳定,后面也不用起架子。

   

同时我们做了一个实验,这是舞台效果。

   

在这个空间后面要通过视频简单的手段让它非常有层次,把空间拓展出去,通过假透视让观众觉得空间无限。不知道在什么空间做的访谈,这是一个基本思想。然后把整个视觉变成前景,伸远的背景使得这个空间更有层次,这是当时的初步想法,可以通过换远处的视频素材,让大家调度在不同的空间里。这怎么调度呢?有一个创意想法,我们通过一段小视频来先看一下。

   
   

这就是最终的呈现效果。我们做了一个舞台机械装置,机械装置一推旁边就出来人了,这个毫米级的传动装置使得屏推到前面能和其他的屏完全吻合,我们用素材演绎推动,靠在屏背后推,舞台机械推,最后留出一个空间上下场演员。这个实现是很简单的一个调度,通过大家的创意想法来完成,并没有多神秘,关键是要建立这种思维模式。

   

做一个简单的图层放上去,两边是返送的内容,中间是vcr,都可以通过动态视频处理,它可以有不同效果,今天这个效果就是最初期的东西。

   

我今天拿出一个很有趣的例子。(视频)比如这就是一块黑屏幕、一个白色的框。首先看基础的变化。还可以和人物互动做简单的交互,请几个人上来站在屏幕前,屏幕上黑白色块不同的调度,可以和这几个人互动产生不同的效果。

   
   

这是一个初步想法。可以做各种各样的变化,黑屏条儿用白色分割,人都是剪影,可以有各种各样的变化。当思路打开了,会产生更多的想法。创新思维和钱多少不是完全成正比的,往往需要先建立这种思维模式。

开创作会的核心内容是关键。先听听导演的想法,他要呈现什么内容。这时候可以把我们所掌握的技术手段慢慢加入。加的过程中,要掌握清楚:不是加越多越好。在这个过程中我们要和导演保持互动,会给导演能提出很多建议或者是实现他想法的思路,这样在整个创作会上我们就能奠定导演思维模式,而不是任何孤立的想法。

04、特效和影像

特效包括舞台上经常使用的——风机、雪花机、泡泡机、干冰机等。当然,刮风下雨也属于舞台上的特效。特效和影像是怎么玩的?这里我们聊一个节目,还是从创作会聊起。沉浸式的表演形式,让所有的观者都代入到一个空间里,视觉、听觉、特效、带给我们全新的视觉体验、科技感,这是导演的一些想法;项目要求:创新的体验空间。项目关键是有钱但不是这一次。

   
   
       

协同创新思维要点

1、有效利用各种特效手段;

2、神秘、惊叹、交互、沉浸这些想法在这里体现。

3、最重要的要讨论如何沉浸,怎么惊叹。

我从视觉呈现的角度出发,把想法落地。是一个有蝉翼的修炼场景,进入空间,首先有个仪式感,戴上鞋套,推门进去,蓝悠悠的环境,每一个蒲垫周边加上蓝光晕,进去以后云里雾里的场景,一个一个的蒲团垫,在干冰下通过蓝色的光晕引导大家坐上去。坐上来以后,通过声效,雨滴的声音,加上混响,给观者强烈的视觉听觉冲击性。随着雨滴慢慢一滴一滴一滴越来越多的变成雨声,最后干冰散去,突然间大家发现都是坐在水里面。

最后效果非常好,但是执行会有一堆问题:进去怎么让观众感觉没有水?坐下来下雨怎么让人感觉有雨但是不能湿身?最后干冰时间不够长,怎么能让大家都坐在水里?坐在水里鱼儿在游,身边都是荷花,大家沉浸在一个这样的环境里。

   
   

先从这几张效果图看起,整个的环境就是一个20米的圆,四周、地面加影像。整个创意真正体现到了要有想象力要鉴赏力,同时还要有执行能力。到底执行成什么样子呢?我们可以看一下这就是执行的现场。

   

如何让水快速排掉,同时又感觉有水呢?当时做了好多实验,最后用小型的白色鹅卵石铺满,上面有三五公分水。排干以后再出来的时候,大家是踩着石子儿,整个介质上影像也很好,虚虚实实结合。

   

这是有水以后的感觉,整个环境里周边到底用了什么呢?用了线幕,就是用绒线整个环绕。2.0这每一个空间里头好多地方可以出人。1.0的时候先是影像。这样都可以把人调度进来,整个环境就可以是蓝调的或是整个周边用沉浸式的风声或者鸟鸣声,荧火虫在飞的感觉。

   
   
   

这是干冰的效果。通过一些小窍门,呈现出来的最终效果大家都很满意。整个小环境20米直径60个人坐进去,大家坐上去每一个都能旋转,到了某一个时间点,就转换成另一个方向,这样就变得比较有趣,沉浸式环境在里面坐16分钟,也讲究起承转合的一个小型沉浸式秀。有些不一样的特效方式结合,不光是影像,还有下雪,下雨,从小雨到暴雨,从徐徐的微风慢慢变成狂风大作,这些都在整个过程中得以呈现。

看一段视频,叫做全媒体的体验空间。

05、声音和特效

下面介绍一个利用声音的手段。从一个创作会聊起,表演形式是一个实景剧;表演定位,就是身临其境的感受,项目要求:吓到人。这是实景剧的一个想法。

协同创新思维要点:

1、音效引导,声音很重要,作用就是引导作用,当我们在观看实景剧的时候,如何让观众的注意力从舞台表演空间或者是某一个表演空间变成关注某一个东西的时候,可以用声音,这就是声向定位。

1、音效引爆。可以用声音让观众注意转移的手段。观众区面对着一片水,一发炮弹从观众区的后面打到海盗船上,可以通过声向定位在我们的右后方,它靠不同位置的喇叭产生不同的响度,发现声音是有方向的,有位置的。在一个环境里,光听声音就能听出来这声音在哪儿出来。

3、观众感切。巨大的爆破力,形成水花四溅,形成了真正的感同身受的场景。

   

这是在天津欢乐谷的一个项目里面要有一个大战,其实就是利用声音和其他的特效完成一个实景剧。

   

这个图描述后区有飞机过来,没有音效的引导,大家没有预热,飞机就过去了就不对了。必须从后区,声音先进来,飞机越来越近,撞上楼炸开了,同时枪炮声的声象定位,

在固定点发生的地方装音箱,爆炸的低频率,让你感觉到扑面而来的气浪。要机枪的声音,就把中高频弄足,成本相对来说就会比较低,对素材的要求也不高,只要采样或者找一点效果声直接送到功放,该大的大,该小的小,就使得整个是一个实景剧下的声场,声音和视觉效果进行叠加,使观众的感受更强烈。

这种创新思维的建立,能使感受更强烈,再延伸出来,现在提出的全息声,在音源不是特别明确的时候,通过声音引导导向分辨方位。这是声效和特效的一种创新思维的结合。

06、视频技术和舞台呈现

现在有一个很新的大家要关注一下,所有的舞台呈现和视频技术之间的融合,已经不是简单的舞台呈现,而是和视频结合以后产生的。深圳舞协提出了一个新的思想,我们创作的时候要从视频上感受来创作舞蹈。在这个过程中舞台上通过视频技术融合,变得更有意思。

前段时间做了一个舞蹈类的节目,视觉定位:现实增强。现在的表现手法,有虚拟现实,增强现实,混合现实。项目要求:给观众惊喜。项目关键:舞台呈现和现实增强矛盾的处理。在基础上我们要充分弄清现实和增强的关系。

协同创新思维要点

1、现实和增强的关系

2、实景和虚景的融合

3、镜头的运动的处理

前一段时间我们和敦煌研究院在世纪坛做了一个敦煌展。开始大家都提出要用视觉手段表现的更好,更有感染力。后来看到那些壁画,就被悠久的历史冲击到了,我们希望能让大家看清楚壁画原本的样子,感受文化的魅力。 后来为了增强节目效果,采用360度的拍摄定格还原。

   

这是这个节目没有增强的时候,舞者在这个环境跳舞。

   

适当加点增强,在镜头的前景加了一些装置,不运动的时候感觉很突兀。但在运动过程中,相当于从另一个空间慢慢来到这个表演空间,就使得交代的时候有个过渡,还有空间是变化的,在摇臂上加的增强现实的机位,使得摇臂的运动轨迹相对于整个运动过程中是一个标志物,整个镜头穿梭在这一方。现代的表现手法,可以在舞台空间不太复杂的情况下,把环境做的非常的丰富,当然都是要做场景和动画。

   

比如说这描述的是战地,护士是亮点。大家在整个战斗中,可以增强现实。上面直升飞机,下面铁丝网烧着等,现场都是没有的,就是通过增强现实,用视频技术的手段加强舞台呈现的视觉效果。

现在视频制作已经变得越来越综合,不光是舞台上的灯光、舞美、视频、特效、舞台机械。用视频手段和表演空间相结合,通过视频手段来强化表演空间里面的内容和所表现的主题,在这基础上合理的使用一些技术手段。这是在增强现实里一个新的课题,需要大家去好好的探索:怎样融合更好。

   

07、多维度视觉呈现要注意的问题

就像马老师说的,这种思维概念的创立是要加强的。任何一个实际实践的过程中都可能会出现不同的情况。所以探索是要不停的。

表演形式:大歌舞;

视觉定位:气氛热烈、场面宏大;

项目要求:勇争第一;

项目关键:光比关系复杂。

协同创新思维要点:一幅长卷,亮度关系;满台的大屏幕,亮度关系;满场的人物,亮度关系。当时深圳要争第一,那一年是深圳,井冈山和沈阳。井冈山,中国人民站起来。沈阳,中国人民富起来,深圳就是中国人民强起来,三大主题。

在创作会上,我们讲如何来做好这方面的融合。其中一个关键是要融合各种技术手段和现代的视觉呈现。作为深圳人对深圳的真切感受就是市民中心是一个非常好的地方,它是改革开放40年来巨大成果展现,视觉总监就在深圳的市民中心整个180度的大画卷。利用后面所有的建筑楼宇灯光。第二个创新思维的问题,深圳是文化装备生产非常重要的基地,led基本上都是深圳产的,那舞台的呈现led屏幕一定是一个非常重要的手段。 当时也运用了5g技术,第一次要拿5g技术传输到中央台去。

   

机器人,深圳优必选机器人的科技型企业

   

通过编程机械臂打鼓

   

现在的无人机已经不是简单的航拍了,可以带30公斤东西到天上。无人机可以撒花瓣,突然间满天的飘雪。观众就会一下子热烈了。

另外就是大家比较熟悉的就是柔性显示,我们叫柔性显示装备。可以做在帽子上,衣服上,火炬上。这个的特性第一就是柔,随风飘逸的时候是最好表现的,每一块屏的分辨率特别高,我们可以用一种非常具象的东西。深圳像一棵枝繁叶茂的树,可以是郁郁葱葱,可以结满果实,最后到了40周年时满树的金黄色果子。

   

这是这棵树在现场的效果,把科技手段用在哪儿其实很重要。

   

这也有一个技术手段,在屏幕上视频拉花,平衡车跑,这也是一种增强现实。大鲸鱼一跳水花四溅,舞台上真有水。回过头来一看,这一台节目承载了好多技术手段。

   

整个视觉呈现,从光叠上看其实有几层。第一层是后面的楼宇建筑,全是固有的,虽然内容是整个节目来制作,但是他的亮度是不可以变的。所以要求整个后面楼宇建筑的光是作为参照,所有的大屏幕是可控的,就要服务器来控制亮度,使得亮度和镜头的走动是和谐、合理的。

   

这一层就更麻烦了,建筑,舞台,人物的关系亮度和大屏幕的关系要处理好。 当我们有很多技术要用的时候要把握好效果,不然最后观众不满意。

几件事情是不能干的。有时间没钱的活不能干。期望值太高,最后的结果是满足不了的;有钱没时间也不能干;又没钱又没时间,更不能干。有钱也有时间,但是没有技术储备,也不能干。所以现在你要建立思维关系,有思维的想法,以后一旦遇到这样的机会,你就可以干。

在一些节目的创意过程中,如何和导演建立沟通。把综合的技术手段有效的应用到节目里面去,建立这种逻辑关系对未来我们做节目会有很大的帮助。

   


课程

总结


1、协同创新思维模式的建立对节目创新的作用越来越强;

2、舞蹈和影像的结合要注重视觉表现的虚实交融;

3、舞台机械和影像可大大强化表现力;

4、特效和影像要巧妙,不能为用而用;

5、声音是引导观众视线的有效手法,同时可强化观感;

6、视频技术和舞台呈现是一种新的创新模式;

7、多维度视觉呈现的光比处理是大课题,搞不好是一锅粥。

学员问答

学员:正面投影会有影子怎么办?

老师:从上向下投,影子是不可避免的。比如用广角,远投影子就会很大,在影像处理上可以把人影部分抠出来,正面投影其实是什么呢?其实现在很容易,就在投影的某一个图层里做光斑,相当于是追光,比如在一个节目里面,整个主持区背景覆盖的是投影。主持人一站位,我们就推一个白色的光斑上去,相当于给主持人补一个面光,主持人一走光斑抽掉。

学员:为什么用黑色投影?

老师:当时其实有个问题,想做一个比较隐蔽的全息概念的时候,介质不能太明显。确实黑色投影会牺牲亮度,但是有一个好处,对比度好。当投影投到深颜色介质的时候,对比度比投到白色介质上要强很多。在黑色纱幕上投,整个影像还原以后对比度特别好。摄像机只要控制好光圈,出来的影像是很有层次的。不像白色的介质,环境光一起,整个画面全灰了,当然就牺牲亮度。

学员:画面和人物的对位怎么处理?

老师:对着图像空间扣,比如上海外滩,跨年浦发银行要按照原来国外的思路,就要建模,在3d模上放投影机的位置,角度要对不同的建筑结构特征体进行精准的对位,其实是周期很长的,到现场的校正能力不足,必须在前期都做好,随着后来服务器功能的增强,在现场拉拉线,就能很精准的对位。我们曾经有一个课题,叫结构投影,在低覆盖范围内都可以通过整个曲面的校正,精准的投到某个物体上。

我们做客一个比较特殊的东西,就是真假交互。首先定位锁定一个团队,当时有个组合叫mic,5个人请来,我们快速的把舞台表演后区的台阶和结构的线条都做好,以后拍摄。首先投影机的摆放角度,人物的变形和拍摄机器的角度变形,这是要处理的。有了现在的设备以后,拍摄角度只要锁定好人物的大小,先不用过多的去考虑。拍完一段素材拿回到现场投影机一投,我们可以通过服务器把人物的比例大小校正好,人物在这种空间里和前面的人物的关系差不多,就好。第二个重要的是定色温,当拍摄人物的时候再还原是通过投影机还原。投影机还原出来的色温和现场人物还原的色温是什么关系要搞清楚,中间牵扯到两次色温的矫正。

主持人蒋斯蒙:

李老师的讲座知识量丰富,不管是从创新思想还是导演沟通,技术解决,还是约束我们的盲目创作,我们都可以找到相对应的成长点,关于李老师其中创作的小切口,我认为是非常成功的案例分享。关于怎么和导演沟通,如何谈自身优势,怎么扩大工作效率,完成工作,听完课我们都受到了很多启发。大家以后如果在艺术创作中遇到什么问题,可以继续沟通交流。

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本文由李风老师编著。

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文字整理:王丹、邱雨桐、冯牧天

图文制作:常嘉怡